Paris + par Art Basel La Cinquième Saison Jardin des Tuileries (2)

Double Heart, 2022 Gaetano Pesce
Galerie Champ Lacombe

Sculpture Fibre de verre, résine, métal, béton, ampoules électriques Dimensions de l’œuvre 500.0 x 489.5 (cm)

Figure majeure de l’histoire du design, Gaetano Pesce s’est inspiré d’une lampe qu’il a conçue en 1969 pour créer, en 2022, cette sculpture monumentale. Le double cœur rouge percé est un motif récurrent de ses dessins. L’œuvre fait écho à l’un des principes clés de sa philosophie artistique : l’idée que l’époque contemporaine ne peut renoncer à la joie, au romantisme et à une part d’exubérance qui émanent de tant d’êtres humains et d’objets. À l’entrée de ce lieu de promenade et de l’amour qu’est le jardin, l’image des cœurs percés, profondément poétique de par son symbolisme, contient aussi une forme d’incertitude et de possible tragédie du destin.

Gaetano Pesce a étudié l’architecture à l’Instituto Universitario di Architectura di Venezia (IUAV). Il a également suivi à Venise les cours de l’Institut de design industriel. L’artiste y a rencontré Milena Vettore, avec laquelle il a ouvert un studio à Padoue et fondé, en 1959, le groupe « N ». Depuis 1962, Gaetano Pesce travaille dans le domaine du design, expérimentant de nouveaux matériaux et des formes innovantes. Il a enseigné l’architecture à l’Institut d’architecture et d’études urbaines à Strasbourg pendant 28 ans, puis à la Cooper Union à New York, où il vit et travaille depuis 1980. Les œuvres de Gaetano Pesce figurent dans les collections permanentes de plus de 30 musées à travers le monde, parmi lesquels le Museum of Modern Art à New York (MoMA) et à San Francisco (SFMOMA), le Metropolitan Museum of Art (MET) à New York, le Vitra Design Museum en Allemagne, le Centre Pompidou et le Musée des arts décoratifs (MAD) à Paris, et le Victoria and Albert Museum (V&A) à Londres.

Les Représentants, 2022 Gloria Friedmann
Galerie Ceysson & Bénétière

Sculpture Résine, terre, acier, peinture, vernis Dimensions de l’œuvre 550.0 x 200.0 x 200.0 (cm)

L’artiste met en scène dans des « tableaux vivants » des animaux. Elle les appelle les « Représentants », afin de souligner que ces êtres, pour elle insuffisamment considérés, incarnent la force de la nature et combien nous avons à apprendre d’eux. Sa sculpture fait sienne la tradition scientifique de l’observation naturaliste comme les codes classiques de la statuaire animalière, tout en y apportant de l’humour et de l’étrangeté. L’artiste rend ainsi visible la coexistence au sein d’une même « communauté terrestre » des tortues qui soutiennent un visage, et d’un cerf, juché sur ce même visage, auxquels elle rend hommage par la monumentalité de son œuvre.

Gloria Friedmann quitte l’Allemagne pour la France en 1977. Autodidacte et principalement sculptrice, cette artiste prolixe déploie une énergie expérimentale dans des pratiques aussi différentes que la peinture, l’installation, la photographie, la performance ou la vidéo. Se saisissant d’un genre historique – le paysage – désinvesti par la sculpture contemporaine, elle se fait reconnaître au début des années 1980 par ses installations et performances ayant pour sujet la nature, dont elle estime « faire partie ». C’est cependant sur la nature « non humaine », celle existant « en dehors » d’elle-même, selon ses propres mots, qu’elle se concentre, et notamment sur les violences qu’elle subit. Des œuvres telles que Vagues Normandie (1983), composée de pare-brise cassé, ou Paysage d’hiver (1986) relèvent à la fois d’une poétisation du lexique de l’art minimal et d’une certaine culture des matériaux propres à l’Arte povera. Associant l’ironie, la parodie, l’incongru, Gloria Friedmann développe la logique d’une métaphore naturaliste en exposant les pièces d’une nature vraie, dont elle déplace des fragments selon la procédure du ready-made pour restituer davantage l’idée du chaos que celle d’une harmonie proverbiale.

The Politics of Black Silhouettes, 2023 Zanele Muholi
Galerie Carole Kvasnevski

Sculpture Bronze

L’artiste non binaire et queer mène depuis plusieurs années un vaste projet autour du portrait et de l’autoportrait. Iel donne à voir ceux et celles qui ne sont pas les modèles artistiques habituels, les invisibles, et en particulier les personnes noires LGTBQIA+ dans la société post-apartheid d’Afrique du Sud. Récentes dans son art, ses sculptures entrent en dialogue avec la statuaire du jardin. Questionnant les codes de la représentation, sans socle, elles rendent présentes les absences, du fait du sexe ou de l’origine. Face aux sculptures historiques guerrières, l’artiste se présente en contraste assis∙e et encore entravé∙e, en dormeur∙euse ou émergeant des profondeurs de la Terre.

Zanele Muholi documente et archive les vies et les luttes des communautés LGBTQI+, évoquant le sort de travailleuses noires sud-africaines, les violences et les questions d’identité au travers de portraits, de photographies, de calligraphies, d’installations ou, plus récemment, de sculptures et de peintures. La mission autoproclamée de Zanele Muholi est de « réécrire une histoire visuelle de l’Afrique du Sud pour que le monde entier connaisse notre résistance et notre existence au plus fort des crimes de haine en Afrique du Sud et au-delà ». Créant une esthétique puissante, audacieuse, à la force évocatrice inouïe, Sir Muholi s’affranchit des codes et des règles pour nous donner de nouveaux canons, de nouveaux modèles.

Serenade Serenade – Serenade And The Triumph Of Romance, 2023
Joël Andrianomearisoa
Galerie Almine Rech

Installation Verre, métal – Dimensions variables

Privilégiant la couleur noire, Joël Andrianomearisoa capte le sensible derrière chaque forme. Dans la continuité de ses recherches sentimentales, cette installation s’inspire des amours du 18e siècle, notamment de l’œuvre Les Progrès de l’amour du peintre Fragonard. À partir de la sculpture Daphné poursuivie par Apollon du bassin des exèdres, il imagine une sérénade en 15 chapitres, comme un voyage à travers nos imaginaires romantiques – des premiers mots à l’amour triomphant-, pour réaffirmer la nécessité vitale de la sentimentalité. Les vases de verre sont percés afin que l’eau s’écoule à travers, comme une fontaine que seule la nature pourrait activer par la pluie.

Joël Andrianomearisoa a obtenu un diplôme d’architecture à l’École spéciale d’architecture (ESA, Paris) en 2003. En englobant une grande variété de médiums, notamment l’installation, le dessin, l’artisanat, le textile, la performance, la vidéo et la photographie, ses œuvres explorent la matérialité des sentiments. Son travail sur les relations humaines s’exprime à travers la matière, les textures, les formes et les atmosphères. Mêlant le savoir-faire traditionnel et l’artisanat au sensibilité de l’ère numérique, ses œuvres introduisent la poésie et les sentiments dans la tradition minimaliste. Artiste de son temps, il considère son travail comme, selon ses termes, un « exercice permanent », exploitant sans cesse toutes les possibilités du textile, du papier de soie, du verre, des fleurs et de divers objets tels les miroirs, pour créer une œuvre polyphonique aux multiples facettes.

Baked Potatoes, 2006 Jacqueline de Jong
Galerie Dürst Britt & Mayhew

Sculpture Céramique émaillée – Dimensions variables

Peintre prolifique, graveuse, fondatrice de la revue The Situationist Times (1962-1967), Jacqueline de Jong crée depuis une quinzaine d’années à partir de pommes de terre qu’elle cultive elle-même. Elles sont le point de départ de variations peintes ou deviennent des sculptures portables dites « Pommes de Jong » – des bijoux uniques à partir de patates germées et séchées recouvertes d’or. En 2006, elle imagine les Baked Potatoes en céramique pour le jardin de la maison-musée d’Asger Jorn à Albissola Marina (Italie). Ici, suspendues à un treillis et flottant dans un bateau, les céramiques et pommes de terre mettent en valeur les formes sculpturales naturelles du plus simple des légumes.

Jacqueline de Jong est connue pour sa contribution à l’avant-garde européenne des années 1960. Au cours d’une carrière qui s’étend sur six décennies, son travail a exploré la violence, la banalité, l’érotisme et l’humour inhérents aux relations humaines. Alors que la peinture est la base de sa pratique, celle-ci intègre également la sculpture, la gravure et le bijou. Dans les années 1960, Jacqueline de Jong s’est engagée dans l’Internationale situationniste et le Gruppe SPUR. Elle a fondé The Situationist Times, l’une des revues les plus importantes et les plus expérimentales de son époque. En 1968, elle a défilé avec les étudiant∙e∙s à Paris, réalisant des affiches d’artistes pour soutenir le mouvement.

Lion (Bananas), 2022 Tony Matelli
Galerie Andréhn-Schiptjenko

Sculpture Béton, bronze peint Dimensions de l’œuvre 91.5 x 152.5 x 46.0 (cm)

L’artiste détourne les icônes de l’histoire de la sculpture et s’approprie la figure animalière du lion, symbole des gardiens de jardin. La statue est patinée jusqu’à recréer l’effet de l’usure du temps et des intempéries, et parsemée avec humour de bananes et de peaux de banane. D’un réalisme saisissant, elles sont en fait moulées dans du bronze classique et peintes à la main. Le genre de la nature morte et de la vanité rappelle le caractère éphémère de la vie. En rendant inaltérable le fruit sur un lion vieilli, l’œuvre évoque le passage du temps et la fausse jeunesse éternelle.

But round my chair the children run, 2023 Claudia Wieser
Galerie von Bartha, Sies + Höke

Carreaux émaillés et plaques de cuivre polies Dimensions de l’œuvre 313.0 x 293.0 x 232.0 (cm)

Puisant son inspiration dans l’architecture et l’histoire, l’artiste travaille à l’intersection de l’art et du design. Cette œuvre a été spécialement créée pour le Jardin des Tuileries, où se situaient, au Moyen Âge, des fabriques de tuiles. Elle associe plus de 2 000 carreaux émaillés à la main, qui portent les coups de pinceau de l’artiste et sont complétés par des plaques de cuivre polies. Cette composition géométrique, aussi minimaliste qu’imposante, invite le public à admirer, dans cette « œuvre-banc », les liens entre la matière et l’espace. Elle renvoie aussi bien à l’histoire de l’habitat moderniste qu’à la longue tradition artisanale parisienne.

Claudia Wieser a bénéficié d’expositions personnelles au sein de nombreuses institutions, parmi lesquelles : le musée Yves Saint Laurent à Paris (2023-2024) ; le Brooklyn Bridge Park et le Public Art Fund à New York (2021-2022) ; le Smart Museum of Art à Chicago (2020) ; le Bemis Center for Contemporary Art à Omaha (2020) ; le Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce à Gênes (2017). Elle a également participé à des expositions collectives, notamment à la Hamburger Kunsthalle (2020-2021) ; au Contemporary Arts Center New Orleans (CACNO) (2019) ; à l’Asia Culture Center (ACC) à Gwangju, Corée du Sud (2019) ; au McClelland Sculpture Park+Gallery à Melbourne (2019) ; au Museum für Moderne Kunst (MMK) à Francfort (2018) ; au Marta Herford Museum für Kunst à Herford (2018) ; et à la Bundeskunsthalle à Bonn (2018).

Ares, 2023 Vojtech Kovarik
Galerie Derouillon

Sculpture Polystyrène, métal, béton

Fasciné par la mythologie grecque où tous les êtres étaient hybrides, l’artiste explore la face cachée des héro∙ïne∙s et leurs tourments intimes. Représentant en grand format des personnages vulnérables, façonnant des formes rondes, il ouvre la voie à un héroïsme différent, plus humain, ainsi qu’à une nouvelle monumentalité sans grandiloquence. L’aspect brut de la matière brouille nos repères chronologiques : ce guerrier au repos est-il antique, notre contemporain ou venu du futur ? Face aux thèmes guerriers présents dans ce jardin historique, Vojtěch Kovařík nous offre un regard plus intime et une lecture psychologique des états d’âme de certaines figures de l’histoire.

Vojtěch Kovařík est porteur des héritages multiples d’une génération qui, née après la chute de l’URSS, a vécu l’ouverture à la culture occidentale mondialisée. Partant de son expérience des images et des récits hybrides, il revient sur l’essence plurielle des mythes. Il en existe toujours plusieurs versions, sujettes à révision et à interprétation, car la vérité n’est jamais univoque chez les Grecs. En redonnant vie à ces personnages connus, l’artiste souligne que les êtres ne sont jamais figés et que le contexte n’est pas neutre dans la définition d’une identité. Son travail traduit sa temporalité particulière et le sentiment trouble d’une hybridité persistante.

Sources :
paris plus artbasel

Avec la courtoisie des artistes et des galeries